Actor, director, docente, y dramaturgo. Como actor participó en más de treinta obras, con directores como Daniel Veronese, Norma Aleandro, Carlos Gandolfo y Roberto Villanueva, entre otros.Como director fundó, junto con su grupo, la compañía Timbre4 en 1998 con la que montó Chau Misterix, Orfeo y Eurídice, Jamón del diablo, sobre textos de Roberto Arlt, Lisístrata, La omisión de la familia Coleman, Tercer cuerpo, El viento en un violín y Emilia, estas últimas de su autoría. También dirigió Atendiendo al Sr. Sloane, Agosto y Todos eran mis hijos, montaje realizado en Buenos Aires y en el teatro Español de Madrid. Por sus trabajos recibió los premios ACE, Clarín, María Guerrero, Teatros del Mundo, Teatro XXI y fue nominado al premio Konex como uno de los mejores directores de la década. Sus obras se representaron en más de veinte países y fueron traducidas a seis idiomas. Desde 2001 dirige junto con su grupo el espacio cultural TIMBRe4. En España realizò (más allá de las giras con su grupo argentino) la dirección de diferentes proyectos teatrales: Todos eran mis hijos de Arthur Miller. Teatro Español, Emilia de Claudio Tolcachir, Teatros del Canal, Tierra del Fuego de Mario Diament, Teatro el Matadero, La mentira de Florián Zeller Teatro Maravillas, Copenhague de Michael Frayn, Teatro de La Abadía y La omisión de la Familia Coleman de Claudio Tolcachir Teatro Romea (Barcelona)

TÍTULO DE LA CONFERENCIA: Creación, producción, difusión y formación desde un espacio independiente en tiempos de pandemia.

Fecha: Martes 19 de octubre de 2021
Hora: 16:00 Horas (Lima)  – 23:00 horas (Madrid)

Timbre 4 es un espacio de creación teatral que produce sus propios espectáculos y es una escuela de cerca de veinte años de historia. La pandemia posibilitó revisar profundamente estos tres aspectos de nuestra actividad: compartir arte, generar arte y formar en arte. Hemos descubierto nuevos caminos y lo vamos aplicando como artistas, espectadores y como estudiantes. La creación en lo virtual, el diálogo con el espectador, el cuidado a los artistas creadores y el entrenamiento actoral aprovechando las posibilidades que nos brinda la virtualidad es lo que vamos aprendiendo e incorporando. Y por supuesto, vamos desarrollando cómo seguir y cómo mirar hacia adelante, ya que definitivamente no somos los mismos. Y esto que somos, necesita volverse creación.

Licenciada en Dirección de escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y Doctora en Teoría de la literatura y literatura comparada por la Universidad de Granada, con una tesis sobre espacio escénico. Trabaja en el Departamento de literaturas hispánicas y bibliografía de la Universidad Complutense de Madrid donde imparte docencia, entre otros, en el Máster de Teatro y Artes Escénicas del Instituto del Teatro de Madrid. Desde el año 2008 hasta 2018 ha sido profesora de la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León (jefa de estudios y jefa del departamento de dirección de escena). Es autora de Espacio escénico: terminología, fundamentos y proceso creativo (Tragacanto) y se encuentra trabajando en Últimos circuitos teatrales del siglo XXI (Antígona) (Ed.) y Teatro y artes escénicas en el ámbito hispánico (s. XXI) (Cátedra). Es directora de la revista Pygmalion. Revista de teatro general y comparado. Su último trabajo como escenógrafa ha sido La dama duende, de Calderón de la Barca, Teatro Ugala (Estonia), y la dirección de escena y la escenografía para el auto sacramental de La vida es sueño de Calderón, ITEM y Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.

TÍTULO DE LA CONFERENCIA: Un martillo para un clavo: Estrategias de comunicación del espacio escénico virtual

Fecha: Miércoles 20 de Octubre de 2021
Hora: 19:00 horas (Lima) – 02:00 horas (Madrid)

Si tuviera que destacar una característica del teatro del siglo XXI podría ser la atención que se le ha ido dando a la relación con los espectadores. La idea del público como consumidor pasivo de un producto, en algunos modelos de teatro, ha ido agitándose desde las vanguardias –todo un siglo–, hasta la actualidad. De esta manera, el concepto de co-presencia de los generadores del hecho teatral –actuantes y público– venía instaurándose como el eje central del proceso creativo y de la comunicación artística. Esta es la razón por la que los modelos de dirección teatral, y con ellos del diseño de espacio escénico, pasaron de prestar una atención casi absoluta al texto a otorgárselo también a los tipos de relaciones que quieren generarse durante la obra. Cuando esta tendencia se encontraba en plena expansión ha llegado la pandemia del COVID y el confinamiento. De forma paradójica, las nuevas circunstancias de aislamiento no han paralizado este fenómeno, sino que han supuesto un catalizador. Al no poderse realizar lo más básico del hecho teatral, la presencia y la inmediatez –un emisor, un receptor, un tiempo y un espacio–, se ha vuelto a repensar el teatro desde su esencia. Se han producido otras fórmulas de relación comunicativa en la plástica teatral pero ¿son nuevas o son una adaptación de las ya existentes? ¿Existen nuevas estrategias estéticas estilísticas del espacio escénico o son las tradiciones adaptadas y lo nuevo son los canales? Propongo reflexionar sobre estas preguntas y sobre la relación entre el objetivo de la escenificación y las herramientas tecnológicas utilizadas. En el diseño de un martillo lo importante es clavar el clavo: si la tecnología es un medio y no un fin, lo fundamental será el público, no la herramienta. 

Director autodidacta, artista visual, coreógrafo y diseñador de iluminación.
Master en Artes Visuales en el Instituto Nicolae Grigorescu, Bucarest, Rumania. Con estudios de cine en el Taller de Armando Robles Godoy en Lima. Fundador en 1984 de INTEGRO Grupo de arte.
Sus obras se han presentado en Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, España, Francia, Holanda, India, Inglaterra, México, Portugal, Suiza y Suecia, participando en reconocidos festivales internacionalescomo el Cervantino en México; el Festival de Teatro de Bogotá, Colombia; el de Cádiz en España; Origins Festival, Southbank Centre, London UK; Sommertheater Festival en Hamburgo, Alemania y el Eurokaz en Zagreb, Croacia.
Ha asistido a las Residencias: Baryshnikov Center New York, USA; Fundación Bogliasco Italia; Dansometre,Vevey, Suiza; Teatermaskinen, Ryddarhittan, Suecia y obtenido las Becas Darpana Academy of Performing Arts, Ahmedabad, India ; Prince Claus Fund, Holanda y American Dance Festival, Duke University, North Carolina, U.S.A.
Premio Nacional de Cultura 2017 en la categoría Creatividad; Premio Aibal a mejor director del año 2015; Personalidad Meritoria de la Cultura 2011; Premio Nacional de Coreografia 1988 y Premio Especial Cesar Vallejo en el mismo año.

TÍTULO DE LA CONFERENCIA: Deconstrucción de la obra INO MOXO (2014) de INTEGRO Grupo de Arte .

Fecha: Jueves 21 de octubre de 2021
Hora: 19:00 horas (Lima)

Sobre la Obra:
INO MOXO está inspirada en la obra más importante de la literatura amazónica peruana, “Las Tres Mitades de Ino Moxo y otros brujos de la Amazonía” del poeta y narrador Cesar Calvo. La obra invita a un viaje espiritual y a su vez a una reflexión aún más completa, pues es también una denuncia de la barbarie occidental contra los pueblos amazónicos, del desprecio por su cultura, de la explotación desmedida de sus recursos y del silenciamiento de su sufrimiento. INO MOXO insiste en recordarnos esa escisión absurda entre el ser humano y la naturaleza y convoca, por lo tanto, a una vuelta a los orígenes y al restablecimiento de una relación armónica y respetuosa con el bosque, con el cuerpo y con el otro.

Doctor (Área de Historia y Teoría de las Artes) por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Premio Academia Argentina de Letras al mejor egresado 1989 de UBA. Catedrático Titular Regular de Historia del Teatro Universal / Historia del Teatro II (Carrera de Artes, UBA). Director por concurso público del Instituto de Artes del Espectáculo “Dr. Raúl H. Castagnino”, Facultad de Filosofía y Letras, UBA. Co-coordina el Diplomado Internacional de Creación-Investigación Escénica de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Integra la Comisión de Seguimiento del Doctorado en Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Fundó y dirige desde 2001 la Escuela de Espectadores de Buenos Aires. Es Director General del Aula de Espectadores de Teatro de UNAM. Ha contribuido a abrir 58 escuelas de espectadores en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, El Salvador, España, Francia, México, Panamá, Perú, Polonia, Santo Domingo, Uruguay, Venezuela. Participa en el Projet ESNA – École du Spectateur de Nouvelle Aquitaine (Francia). Co-coordina la Escuela Internacional de Espectadores de Iberoamérica y el Caribe (EIEC). Ha publicado más de cien volúmenes (libros de ensayos, antologías, ediciones, compilaciones de estudios, etc.) sobre teatro argentino y universal. y artes. Su último libro: Teatro y territorialidad (Barcelona, Gedisa, 2020).

TÍTULO DE LA CONFERENCIA:
Herramientas para el análisis de las poéticas teatrales en pandemia: procesos y estructuras en pandemia y pospandemia .

Fecha: Viernes 22 de octubre de 2021
Hora: 19:00 horas (Lima) – 21:00 Horas (Buenos Aires)

Un concepto clave de los estudios teatrales: poíesis o construcción (objeto y proceso). Poética y poéticas. Poéticas implícitas y explícitas. Poética y territorialidad: Poética Comparada. Micropoéticas (individuos poéticos), macropoéticas (conjuntos o grupos de individuos poéticos) y poéticas abstractas (teorías poéticas). Poética Genética: el análisis de las poéticas teatrales como proceso. El análisis de las poéticas teatrales como estructuras. Ángulos y herramientas. Artes conviviales, artes tecnoviviales y artes liminales en pandemia: procesos y estructuras.